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Berna Reale

20 ene

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“La violencia, cualquiera que sea la forma en que se manifiesta, es siempre una derrota”. Jean-Paul Sartre.

Berna Reale es una mujer de 45 años nacida en el norte de Brasil, más exactamente en el estado de Pará, zona amazónica. Hija de una india y de un brasileño de ascendencia italiana, Berna vivió en su infancia todo el exotismo de la región, además de convivir con la difícil personalidad de su padre, celoso y mujeriego. A pesar de todo, su interés artístico está lejos del arte “tropicalista” o volcado en problemas personales. La violencia ha sido en los últimos años su principal foco de atención, con obras muy impactantes y viscerales, lo que le valió el apodo de “Marina Abramovic brasileña”.

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Quando todos calam, 2009.

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Palomo, (2012).

Además de su labor como artista, Berna es forense del centro de expertos criminalistas de su ciudad, Belém. Como forense, Reale vive rodeada por diversos problemas relacionados con la violencia, como la delincuencia y el conflicto social, lo que influye directamente en sus trabajos artísticos. La propuesta de sus obras tiene como objetivo crear un ruido y una reflexión provocadora. Berna se dio a conocer en 2009 con la exposición Quando todos Calam, que presentó la dimensión visceral de su investigación: desnuda, pasó una tarde tumbada delante del principal mercado popular de la ciudad, el mercado Ver-o-Peso en Belém. El recinto ferial vio a los buitres volando sobre su cabeza e interactuando con su cuerpo, cubierto de carne cruda. “La policía estaba muy temerosa, pensaba que le iban a atacar, pero no pasó nada”. Otra intervención que conmocionó la opinión pública fue Limite Zero, donde la artista paseó por las calles, atada de pies y manos a un espetón y sujeta por dos carniceros, cruzó la capital del estado sin ropa. Berna impactó, pero no se queja, se cree comprendida y se siente acogida por sus espectadores. Sus performances son accesibles a todo el público, justo porque acontecen allí, en las calles. Interacción con el espacio público revelando los símbolos del cotidiano local y tratando de temas histórico-sociales, todavía tan latentes en regiones poco acogidas como la amazónica. Su obra, aunque muy reciente, ya ha cruzado fronteras y ha sido exhibida en Londres, Bélgica y Portugal.

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Os Jardins Pensus da América, (2012).

Limite Zero, 2012.

Limite Zero, 2012.

http://mamrio.org.br/exposicoes/pipa-2013/

Premio Pipa 2013

Sobre el artista.

Berna Reale estudió Arte en la Universidade Federal do Pará y participó en varias exposiciones individuales y colectivas en Brasil/Europa, como la Bienal de Cerveira (Portugal, 2005), la Bienal de Fotografía en Lieja (Bélgica, 2006) y la exposición Amazonia – Ciclos de Modernidade en el Centro Cultural Banco do Brasil (Rio de Janeiro, RJ, 2012). Recibió el Gran Premio del Salão de Arte Pará, en Belém (PA, 2009). Fue seleccionada para las exposiciones visuales Itaú Cultural (2012-2013) y PIPA (2012-2013), participó en la exposición Del Margen al borde, Somerset House, Londres, Inglaterra (2012). Vive y trabaja en Belém, en la región amazónica.

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Soledade, 2013

Video entrevista com Berna Reale.

Artista representada por la Galería Millan

Posibilidades entre la inestabilidad y la transformación

17 jul

El equilibrio de los tiempos contemporáneos se revela a través del caos mismo, de la imperfección de modelos y de planos adoptados. El período de incertidumbre nos revela soluciones vanguardistas y maneras osadas de comprendernos a nosotros y a la sociedad a la cual pertenecemos. El arte sólo refleja esas necesidades y expectativas y nos regala su inevitabilidad: sólo será auténtica y cumplirá su función social cuando sea producida justo en este determinado momento histórico e inspirado por una visión específica del mundo.

 El mundo tiembla, pero seguimos de pie, intentando comprendernos y solucionar los problemas creados por nosotros mismos. La economía, la cultura y la sociedad empujan a los artistas para que alcancen sus recónditos diálogos ocultos en medio de la comunicación. Brasil, en las últimas semanas, vive en un escenario de mutación social, una transgresión que ya es parte de la historia. Este periodo de inestabilidad y transformación quizás sea el momento más seductor para el arte, abriendo un campo de múltiples relecturas de la vida misma. ¿Quiénes somos? ¿Qué deseamos? ¿Cuál es nuestra identidad? ¿Luchamos contra qué? ¿O contra quién?. Para guiarnos por los rastros de la contradicción contemporánea contamos con las miradas de los artistas brasileños Paulo Nazareth y Lais Myrrha.

Caminar, es en lo que se centra la obra Notícias da América, de Paulo Nazareth. El artista viajó, andando, desde Belo Horizonte hasta Miami y New York, produciendo una obra artística itinerante e inmaterial, reflejo de las experiencias vividas en este trayecto, impregnándose del paisaje, de las personas y de los lugares, para transformar la incertidumbre en expresión artística: fotografías, dibujos y apuntes. Nazareth clasifica su obra como “arte de conducta”, hilo por el cual moldea su trabajo: “es una manera de estar presente en la vida, cuestionándola todos los días y, al mismo tiempo, disfrutando de ella”. Al llegar a New York, lo primero que hizo fue lavarse los pies sucios en el Río Hudson, después de pasar 7 meses andando sin lavárselos, con la intención de cargar con toda la suciedad de América, una crítica directa al sistema socio-político vigente. En algunas paradas llenó una furgoneta con plátanos, con la intención de expresar su indignación contra la realidad política y social en Brasil y en toda América Latina. Esa condición de “República Bananera” es un apodo regalado por los estadounidenses a principios del siglo XX, y el cual Nazareth utiliza como herramienta de debate entre el neoliberalismo, la globalización y el “imperialismo” en pleno siglo XXI.  Así, el plátano se ha convertido en uno de los principales símbolos de su obra. Aunque posea crédito y reconocimiento en el mundo del arte, Paulo se niega a participar en el lucrativo mercado del arte, vende sus obras a cualquiera, por 10 o 20 céntimos, o por trueque. Una advertencia al capitalismo salvaje y colonialista.

Noticias de America

Registro Fotográfico

Noticias de America Llevo Recados

El dinero lo sacaba vendiendo su propia imagen en las paradas que hacía durante el trayecto por América Latina y además se ofrecía para llevar mensajes a los USA, como una vieja paloma.

Noticias de America Playa

Registro Fotográfico

Arte en la maleta

Registro fotográfico (sin título). En la maleta: Arte.

En palabras de GunnarKvaran, crítico islandés que invitó a Nazareth para la Bienal de Lyon, el artista está “reinventando la performance”, “estas largas caminatas producen obras de arte sobre contextos sociales y sobre las personas que conoce. Es un artista impredecible y sorprendente al mismo tiempo”. Sólo con esta obra ha tenido enorme éxito en el circuito de arte internacional, las obras de Paulo estarán presentes en la Bienal de Lyon, en la muestra Art Basel Miami Beach y en la Bienal de Venecia. Además fue elegido por un grupo de jurados formado por Chris Deacon, director de la Tate Modern y comisarios brasileños, como ganador del premio MASP Mercedes-Bens de Artes Visuales, en la categoría de talentos emergentes. En noviembre, el Museo de Arte de São Paulo (MASP) organiza una exposición individual de Nazareth. Pero Paulo cree que no podrá participar de ninguna de estas muestras, caminará desde Sudáfrica hasta Francia.

Paulo Nazareth nasció en Minas Gerais, Brasil, en 1977. Es graduado en Dibujo y grabado por la Escola de Belas Artes da UFMG. En 2012-2013 ha realizado la exposición individual Premium Bananas, Museu de Arte de São Paulo – MASP. En 2013 sus obras estuvieron en La Coleção Itaú de Fotografia BrasileiraInstituto Tomie Ohtake. En 2012 tuvo trabajos expuestos en la New Brasil, Bolivia Now, Memorial da América Latina, (São Paulo), City as a Process (Ekaterinburg Branch of the National Center for Contemporary Arts, Ekaterinburg, Rússia), Il va se passerquelquechose, Maison de l’Amérique Latine (Paris), 23°33’42′′_46°40’09′′ Mendes Wood at Torri, Galerie TORRI, Paris. Premios: 1º lugar, Premio MASP de Artes Visuais – Mercedes-Benz, Premio 12º Salão Nacional de Arte de Itajaí, Santa Catarina, Brasil; en 2010, Referencia especial del Jurado – 4º Salão de Artes Jataí, Brasil; en 2005 y 2004 Bolsa Pampulha28º Salão de Arte de Belo Horizonte. Vive y trabaja alrededor del mundo.

El dinero se acaba

Registro fotográfico. “Dinero se acaba”.

“¿Cuantas palabras son necesarias para hablar sobre el mundo? ¿Cuantas líneas para dibujarlo? ¿Cuántos colores son necesarios para pintar cada continente, océano, país, montaña, floresta, frontera, descampado, cada mar, brazo de rio, cada sombra de árbol? ¿Cuánto tiempo para escuchar y ver sobre todas estas cosas? ¿Cuántos días, cuantos soles? En la cómoda decepción de que somos siempre una pequeña parte, nos acostumbramos a los artificios de la representación, de la clasificación, de la medición. Nos hemos acostumbrado con los aparatos y sus inevitables limitaciones hasta el punto de desconocernos nuestra vida sin estos acoplamientos. ¿Qué queda de nuestros sentidos?”. Trecho del  texto de Júlia Rebouças, con traducción libre, para el trabajo de arte Borde Game, de la artista Lais Myrrha.

La obra de Myrrha ha sido recientemente presentada en la muestra Zona de Instabilidade en exhibición en la Caixa Cultural de São Paulo. En esta exposición podemos vislumbrar las obras Pódio para Ninguém (2010), Moderno Atlas Geográfico (2009) y Coluna infinita (2011). A través de diversos medios y soportes, las obras nos permiten ver entre la ruina, la falta de memoria y lo efímero, en todas ellas Myrrha utiliza el cemento como materia para sostener la inestabilidad de sus “construcciones”. La transformación de zonas de inestabilidad actúa como una especie de comentario poético sobre los signos de poder y conocimiento en la sociedad contemporánea. El cemento como símbolo de la decadencia misma.

Podio para Ninguem

Pódio para Niguém (2011). Podio hecho en polvo de cemento.

coluna infinita

Coluna Infinita, 2011, del proyecto Zona de Instabilidade. La columna de bolsas de cemento oscila, pero nunca se cae. El colapso es causado por la expectativa de que se va a destrozar en cualquier momento.

En Moderno Atlas Geográfico, la artista borra cartografías, mares y tierra, poniendo en jeque las representaciones cartográficas y fronteras. Borrar las fronteras, extinguir territorios, deshacer las líneas, la descripción del procedimiento adoptado por Myrrha llega al lugar de las inevitables consideraciones (geo) políticas. Algo semejante hace en la bellísima pintura Subtração, de 2009, donde pinta las banderas nacionales, de la A hasta la Z, y así conformando un único conjunto, borrando la división formal entre cada una de ellas, como se fuéramos un único mundo, un único mapa.

Moderno Atlas Geografico

Mapas borrados componen Moderno Atlas Geográfico, de 2009.

Subtração

Subtração (de A a Z de Z a Z), Pintura acrílica sobre lienzo, de 2009.

Lais Myrrha nasció en Minas Gerais en 1974, es Maestro por la Escola de Belas Artes da UFMG, y graduada en Artes Plásticas por la Escola Guignard, UEMG. Desde 1998 participa en exposiciones colectivas e individuales. 2003, I Bolsa Pampulha. 2005, Programa Trajetórias del Centro Cultural Joaquim Nabuco, Recife. Edición 2005/2006 del programa Rumos Visuais del Instituto Itaú Cultural. 2007, contemplada con el premio Projéteis, Rio de Janeiro, y con el premio Atos Visuais, Brasília, ambos concedidos por Funarte. En 2009 realizó la exposición individual Border Game en la galería Millan. En 2010 participa de la Paralela10. En 2011 participa de la Temporada de Projetos del Paço das Artes, São Paulo, de la 8ª Bienal del Mercosul y recibe el 1º premio en el I Concurso Itamaraty de Arte Contemporânea. Gana la beca de Estímulo às Artes Visuais, en 2012. En junio de 2013 es seleccionada para el 18º Festival Internacional de Arte Contemporânea do Videobrasil y participa de la exposición Blind Field en el Karnnet Museum, Illinois. Vive y trabaja en São Paulo.

Del sutil encuentro de desconocidos o cómo Amberes posó en un Belo Horizonte.

28 may

La previa

El horizonte de tan hermoso se fijó como nombre. Como se no fuera suficiente apenas verlo, que hacía falta tatuarlo en la piel. Belo Horizonte, hoy una ciudad con más de 2 millones de personas, y un horizonte bastante cambiado, una mezcla irritante del natural y de la intervención humana. La quinta economía de Brasil se rindió, como todas, a los caprichos de la carrera por el desarrollo, vivió muchas épocas áureas y lo sigue viviendo. El oro de hoy es la libertad de creación.

Como las más grandes, esa metrópolis es un compuestos de variados universos tejiendo una caótica cuadricula urbana, donde surgen mundos auto gestionados, casi ajenos a la realidad misma, micro realidades que representan un mixto de tradición y vanguardia.

Hoy en la carta: El icónico Edificio Maletta:

Maletta Noite 1

Vista exterior del Edificio Maletta.

Ed_ Arcangelo Maleta_160312_Foto Samuel Gê-0151

Por la noche.

Uno de los más antiguos edificios preservados, sigue siendo un centro neurálgico importante en la ciudad, no solo físicamente pero sobretodo funcionalmente. Construido en 1957, el Maletta ha cumplido más de 50 años de su inauguración, toda una eternidad constructiva, ya que la ciudad de Belo Horizonte completó apenas 115 años. La fama de este edificio está en que abriga varios usos tradicionales y es un refugio de los bohemios, locales y forasteros, reúne múltiples actividades (uso residencial, comercial y servicios). Sus dos torres, despontando en el horizonte, consiguen articularse creando una atmosfera multidisciplinaria, dotando el espacio público de vida e intercambio de experiencias casi antagónicas. Posé algunas curiosas peculiaridades, resquicios de un pasado poco igualitario: asistente de ascensor (sí, un profesional que te aprieta el botón del piso donde quieres ir, herencia de los ‘60); entradas separadas para el bloque residencial y el de servicios, puede no significar lo mismo trabajar que vivir en el edificio. Además ofrece vasto repertorio de bares tradicionales, restaurantes de comida casera, tiendas de segunda mano, tiendas de vinilos, sebos y galerías de arte underground. En la planta baja se encuentra la mítica Cantina do Lucas, un restaurante tan típico que ha sido oficialmente protegido por el ayuntamiento como patrimonio histórico y cultural, no sólo por sus delicias pero también por su conjunto arquitectónico y mezcla social. Ya veis, un espacio que podría cumplir su papel mediocre de edificio, alberga un sinfín de minimondos, equilibrados en sus proprias diferencias, y regalan al espacio un fuerte carácter subversivo y tradicionalista a la vez.

Cantina do Lucas InteriorLa famosa Cantina do Lucas, patrimonio cultural.

Maletta Arte Negro

El lugar ya ha sido inspiración para muchos artistas. Foto artística de una de las entradas.

Sebos_Foto Pedro Vilela

Los Sebos, tiendas de libros usados, son muy populares.

Bar Dub

La diversidad de bares atrae el publico jóven.

Cierto día, paseando y perdiéndome por sus pasillos, me deparo con un cartel que me llama mucho la atención: Taller de modelado, impartido en el Restaurante Popular. Me pareció raro coser en un espacio donde se cocina, me imaginé cosiendo alrededor de una estufa, con montonazos de trozos de pollo reposando sobre el vino blanco, o quilos de tomates a ser pelados. Como siempre, el edificio tira a por suelo mis prejuicios, y una vez más me sorprendo cuando descubro que el restaurante es un espacio de creación artística, un colectivo de jóvenes que se diferencian de tantos otros cegados en la ciudad, y allí están para ofrecernos maneras distintas de ver y relacionarnos con el mundo, un respiro para nuestras ideas y ganas de seguir innovando. El taller del cartel, una noble propuesta de Julia Assis. Pero eso ya es tema denso para nuestra próxima historia.

¡Un saludo al diálogo artístico!

Abierto – open

5 mar

¡Hola amigos, hemos vuelto!

Ya sabemos que muchos han estado pendientes de nuestro blog esperando por nuevas actualizaciones desde hace más de 1 año, pero por fin hemos vuelto para darlo todo en 2013. Primero os aclaramos que estuvimos viajando, hemos cruzado el charco y ahora escribimos desde el lejano Brasil, país de donde originalmente venimos y que, por ahora, es nuestra sede. Aquí os podemos ofrecer un panorama de América, como van las cosas en el nuevo continente, ya que se dice que es aquí donde están las oportunidades, pero siempre haciendo un paralelo con Europa, y sobre todo, España. Arte, diseño, arquitectura, moda, intervenciones urbanas… o sea, todo lo que nos gusta y que estamos acostumbrados a mostraros, seguiremos dando énfasis a esos temas. Además de informaros sobre buenas iniciativas para levantar nuestra querida España. Esperamos que os guste, y contamos con vuestro feedback.

abierto-open

Para empezar bien os enseñamos un short film producido por la revista Monocle sobre la Madrid actual. Pero no esperes un documental más sobre la crisis económica, Monocle nos muestran justo la resistencia de una nueva generación de jóvenes emprendedores y creativos, que se están poniendo en práctica, como pueden, sus ideas y sueños en nuevos modelos de negocio. Además del panorama creativo, el video nos vale como guía súper actual de las tiendas y restaurantes más modernos de la ciudad, algunos de ellos han empezado sus actividades en febrero de 2013.

¿Doctrina del shock en España?

15 jun

El conocido libro de la autora Naomi Klein, titulado La Doctrina del Shock del año 2007, llegó el pasado 03 de junio a los cines españoles en una versión documental. Ha sido galardonado en el festival de cine Sundance en 2010 y en los festivales de cine de Berlín y de San Sebastián. El documental, dirigido por Michael Winterbottom y Mat Whitecross, invita a una relectura de los impactantes acontecimientos de los últimos años frente al bienestar de la sociedad actual. Nos hace digerir las maniobras diplomáticas observadas a través del lado oscuro y más salvaje del capitalismo, según los intereses de la clase política-imperialista.

Klein hace un paralelismo entre las teorías económicas de Milton Friedman y las teorías conductistas psicológicas, casi animalistas, de Ewan Cameron de mediados del siglo XX, intentando comprender cómo la evolución del supuesto “mundo libre” ha caído en manos del capitalismo salvaje, donde la invasión sin medida de todo el territorio global y el silenciamiento del pueblo mundial sirven como arma del método del shock, donde el pavor es el emblema clave.

The Shock Doctrine

El libro y la película sostienen que las políticas económicas del Premio Nóbel Milton Friedman y de la Escuela de Economía de Chicago han alcanzado importancia en países con modelos de libre mercado no porque fuesen populares, sino a través de impactos en la psicología social con desastres o contingencias provocando que ante la conmoción y confusión se puedan hacer reformar impopulares. Se supone que algunas de estas perturbaciones, como la Guerra de las Malvinas, el 11 de septiembre, el Tsunami de 2004 en Indonesia, o la crisis del huracán Katrina pudieron haber sido aprovechadas con la intención de empujar la aprobación de una serie de reformas. (Wikipedia)

Como sabemos, la situación política y económica en España quizás sea una de las más desequilibradas, donde los 2 grandes bandos de carroñeros esperan sedientos por la oportunidad de hacerse aun más poderosos, aplicando medidas disparatadas frente a las reales necesidades del pueblo. Ya no escuchan la voz de los no-privilegiados y ni siquiera son conscientes de las importantes protestas realizadas últimamente por la plataforma 15M. Así como hacen los poderosos reflejados en el libro de Klein, en España también se aprovechan de los tiempos de crisis (o cualquier otra catástrofe social) para encurtir el miedo y provocar la inestabilidad del pueblo, obviamente con intenciones de manipular la opinión pública. Ya estamos hartos de escuchar los ataques entre ambos grupos políticos, aprovechándose de situaciones de puntual riesgo (como los ataques terroristas de ETA, las catástrofes naturales, las peleas internas de los partidos, o cualquier otro hecho del que se pueda sacar algún beneficio), y no proponiendo nada nuevo para la mejora de la actual situación del pueblo español. Seguramente lo que les interesa es que sigamos dependiendo de la banca, del mercado internacional y de los compromisos impuestos por el FMI, una manera nada sutil de controlar al pueblo que está sensibilizado con estos temas, aprovechándose de la oportunidad para imponer medidas impopulares y encima justificando estas medidas como “demanda de los mercados”. Realmente vergonzoso vivir en un país donde el dinero público sirve para restituir los beneficios y pagar las deudas de la banca, y reforzar un sistema desigual creado y fomentado por los grandes empresarios y por la clase política desquiciada.

¡Alegrémonos, a pesar de que la doctrina del shock forma parte de nuestra vida cotidiana, nos estamos volviendo inmunes!

Protesta del movimiento 15M en las setas de Sevilla

Filmografia relacionada:

  • Batalla de Chile [three-part documentary film series] compiled by Patricia Guzmán, originally produced 1975–9 (New York: First Run/Icarus Films, 1993).
  • Chile: Obstinate Memory, a film by Patricio Guzmán; produced by Yves Jeanneau, Éric Michel (New York: First Run/Icarus Films, 1997).
  • Coal War: Thatcher vs Scargill, director Liam O’Rinn, episode 8093 of the series Turning Points of History, telecast June 16, 2005.
  • Death Squadrons: The French School, documentary directed by Marie- Monique Robin (Idéale Audience, 2003).
  • Hablemos del Poder / Talking of Power, documentary directed by Selma James and Nina López ([London : Global Women’s Strike, 2005).
  • Return of the Czar, an episode of Frontline [television series for PBS], producer Sherry Jones, telecast May 9, 2000.
  • c, Directed by Costa-Gavras (New York: Columbia Pictures Home Entertainment, 1973).
  • Commanding Heights: The Battle for the World Economy [television series for PBS], executive producers Daniel Yergin and Sue Lena Thompson, series producer William Cran (Boston: Heights Productions, 2002).
  • The Lost Year in Iraq,” an episode of Frontline [television series for PBS], telecast October 17, 2006.
  • The Power of Choice: The Life and Times of Milton Friedman,” written by Katherine Anderson and Thomas Skinner, telecast January 29, 2007.


Que nos gustó esta semana: Le cool Magazine

29 abr

Barcelona, Budapest, Dublín, Lisboa, Londres, Madrid, Moscú, París y Viena, son las ciudades que tienen una guía muy especial, se trata de Le cool magazine, una especie de revista online que muestra los principales eventos artísticos y más undergrounds de estas ciudades. Hay dos versiones, una corta al estilo newsletter, con la cual te mantienes informados de conciertos, intervenciones artísticas, paseatas, sugerencias de restaurante y bares cool, exposiciones, etc., y hay la versión libreta, que sería una selección de los principales locales y eventos de estas ciudades en un pequeño libro.

“LE COOL CHANGED MY LIFE. A SERIES OF WEIRD AND WONDERFUL GUIDE BOOKS.”

“Estas guías no son normales. LE COOL trabaja con editores locales, escritores, fotógrafos, ilustradores y diseñadores para crear libros únicos que realmente reflejen la experiencia de cada ciudad”. Así se lo describen. ¿Un ejemplo de esta anormalidad? El festival de arte y nuevas tecnologías Jamm que se realizará en Barcelona, días 29 y 30 de abril, o la presentación, en Dublín, del espectáculo teatral “Blood Wedding”, una moderna adaptación de la obra del español García Lorca “Bodas de Sangre” (muy apropiado para el actual momento “Royal Wedding”). Si estás en una de estas metrópolis, lo recomendamos.

Apúntate a esta guía en la web: http://www.lecool.com/ o compra la libreta en: http://www.lecoolbook.com/. ¡Ah, y el fondo de la web es un papel de pared guapísimo!

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Ciudades para personas, el ejemplo de Copenhaguen.

26 abr

¿Sabías que Copenhague es la ciudad más feliz de Europa? Así lo consideran en una encuesta realizada entre todos los ciudades de la Unión Europea, los ciudadanos de la capital danesa son los que más felicidad dicen poseer. Mucho de esta felicidad se debe a las recurrentes transformaciones que ha pasado esta ciudad desde la década de 60, que han creado una ciudad alto sostenible, limpia y mayoritariamente proyectada para el peatón.

La ciudad de Copenhague debe mucho de su estructura urbana actual al arquitecto urbanista Jan Gehl, danés de 74 años, pues sus proyectos han hecho posible, entre otras cosas, que más del 37% de la población utilice la bicicleta como principal medio de transporte (el objetivo es que supere el 50% en los próximos años). Todos los logros relacionados con la creación y mejoría de la calidad de vida urbana se ha conseguido gracias a una política desarrollada durante más de 40 años para generar infraestructuras que facilitan la movilidad del peatón y las bicicletas en entornos seguros y separados de los coches, a la vez que restringen el acceso de automóviles a la ciudad. “El resultado es que hoy es una ciudad más sana, con mejor calidad de aire, más viva y segura porque a la gente le gusta salir a la calle”, asegura.

El experimento en evolución que representa Copenhague es la referencia que guía su labor como consultor en su firma Gehl Architects, donde ha diseñado planes urbanísticos para ciudades como Nueva York, Melbourne, Guanghzou, São Paulo, Zurich y Londres. Las teorías de Gehl son fácilmente vislumbradas en el cotidiano de la mayoría de las ciudades contemporáneas, pero hacer la implementación de dichos parámetros humanistas es deshacer medio siglo de ideología modernista. “Sufrimos los problemas de contaminación e inseguridad que nos ha traído esta forma de hacer ciudades. Dubai es un buen ejemplo. Es como coger una serie de botellas de perfume y ponerlas en línea. Cada edificio intenta ser más original y distinto que el otro, pero acaba creando un pastiche de elementos que miran hacia el cielo y nunca al suelo ni a la escala humana. La buena arquitectura es la interacción entre la vida y la forma. Dubai se acerca más al arte”.

Aquí os dejo con parte del trabajo desarrollado por el estudio de Gehl:

Deshaciendo Mitos urbanos

Cincuenta años estudiando al hombre en entornos urbanos da para mucho. Jan Gehl estuvo 50 años estudiando el hombre en entornos urbanos, estos estudios han sido copilados en una publicación a finales de 2010 intitulada Cities for People, un libro que desmitifica algunos de los fundamentos que han llevado a dominar la forma de planificar las ciudades actuales alrededor del coche, a la vez que propone soluciones para un nuevo marco de ciudades más compactas y sostenibles.

Mito urbanístico número 1: “La peatonalización y la utilización de la bicicleta es una cuestión cultural. Puede funcionar en los países escandinavos pero nunca en países como EEUU o China”.

“Cuando se empezó a peatonalizar Copenhague en los años 60, hubo muchas voces críticas con el proyecto. ‘Somos daneses, no somos italianos. Será un fracaso total’, dijo más de uno”, explica Gehl.

Contrasta esta situación con el Copenhague actual, donde más del 37% de la población utiliza la bicicleta como principal medio de transporte para ir a trabajar en una red de más de 390 kilómetros de carriles bici. A finales de 2011 abrirá la primera de una serie de ‘autopistas para bicis’ completamente libres de tráfico, diseñadas para conectar las afueras con el centro de la ciudad. Ir en bici en la capital danesa transciende a las clases sociales. “Hay ministros que la utilizan para acudir al parlamento; hombres de negocio van a trabajar en ellas e, incluso, el príncipe la utiliza para llevar a sus hijos a pasear”, explica.

Tras toda esta explanación concluimos que da igual de donde eres, los fundamentos son muy similares. Los humanos somos previsibles. Si creas buenos espacios acudirán en masa. Si el espacio es malo, lo abandonarán.

Mito urbanístico número 2: “Si quitamos los coches del centro, será un desastre para la economía de mi ciudad”.

A lo largo de los años, Gehl junto con las autoridades de Copenhague han logrado disminuir el tráfico en un 30%. En el mismo periodo, las ventas en los comercios del centro subieron un 32%.

Conclusión: Disminuir el tráfico no es solo más sano para los ciudadanos, también puede beneficiar la economía de una ciudad.

Mito urbanístico número 3: “Si hay mucho tráfico, la mejor solución es añadir nuevos carriles y hacer la vida más fácil para el automóvil”.

“En Copenhague tenemos quizá el único responsable de tráfico del mundo cuyo trabajo consiste en complicarle la vida al coche y no al contrario”, explica Gehl. “Cuando amplías carriles lo único que haces es crear más tráfico. En los primeros meses fluye un poco más, pero al cabo del tiempo la situación vuelve a estar como antes. Empezamos a ver casos como el de Seúl, donde el alcalde recuperó un río y lo convirtió en un parque. Antes estaba cubierto por una autopista que atravesaba la ciudad. La solución tradicional hubiera sido compensarlo con otra autopista en otra parte de Seúl. Pero no la han hecho dejando que el tráfico se corrija solo”.

Conclusión Gehl: “Si quieres disminuir el tráfico, la mejor solución es quitar carriles no añadirlos. Todos los estudios realizados al respecto demuestran que añadir carriles es solo un parche que no acaba con la congestión”.

Mito urbanístico número 4: “La mejor forma de planificar ciudades es desde el aire”.

Gehl llama a esta afección ‘El síndrome de Brasilia’. La capital brasileña creada de la nada en los años 50 se proyectó para emular las formas de un águila desde el aire. “Desde un avión es increíble y desde un helicóptero también pero en el suelo, a nivel de la vista, es un auténtico espanto. Las calles están vacías y sin vida”.

Gehl se refiere a lo que considera el mayor error de los urbanistas contemporáneos. “Se reúnen alrededor de maquetas tridimensionales para analizar desde arriba pero no prestan atención a la escala humana. Lo mismo pasa con arquitectos que compiten por mostrar su individualismo con grandes torres que en el suelo son sitios fríos y distantes para los humanos. Algunos de los sitios más acogedores para el ser humano son feos desde un avión. Hablo, por ejemplo, de barrios como Kartoffelrækkerne en Copenhague. Si presentaras estos edificios en clase de arquitectura te echarían de allí pero en la calle es una maravilla. Tiene proporciones perfectas, un clima muy agradable porque entra el sol y el viento pasa por encima. Las casas son de las más caras de la ciudad”.

Conclusión: “Lo importante no es cómo se ve un edificio desde el aire. Es cómo se vive en la escala humana”.

Parte de este artículo fue publicado en el número de febrero de Yorokobu.

Fotos de: Gehl Architects.

Convocatoria residencia para artistas nacionales e internacionales.

20 abr

¡No todo está hecho a perder! Si con toda la crisis que nos enfrentamos creías que no hay oportunidades decentes para artistas, sepas que hoy ha abierto las inscripciones a una convocatoria destinada a artistas nacionales e internacionales. Matadero Madrid, a través de El Ranchito, pretende facilitar la creación de redes de colaboración y fomentar la producción artística mediante la oferta de residencias para creadores y la disposición de espacios de trabajo. La propuesta está dirigida a artistas y agentes culturales relacionados con cualquier ámbito creativo o artístico y que tengan su residencia o ámbito principal de acción en la ciudad de Madrid.

En la convocatoria nos explican que hay dos modalidades de participación no excluyentes, o sea, un mismo artista puede apuntarse en las dos categorías:

“Residencias: se ofrecen cuatro residencias para creadores no residentes en Madrid (nacionales o internacionales) que hayan sido propuestos por creadores y agentes culturales residentes en la ciudad, con el objetivo de desarrollar un proyecto conjunto o en colaboración. Las residencias pueden durar entre 3 y 6 semanas, y se desarrollarán entre los meses de mayo y diciembre de 2011. El proyecto resultante de la residencia podrá contar con un apoyo económico adicional en su producción y formar parte del programa de actividades de El Ranchito”.


“Espacios de trabajo para artistas:
se ofrecen distintos módulos de trabajo para artistas y colectivos de la ciudad que lo requieran para desarrollar un nuevo proyecto durante un periodo máximo de 3 meses. Además de los espacios adjudicados individualmente, se habilitarán zonas de trabajo compartido y zonas comunes y de encuentro”.

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Más informaciones en: http://elranchitomadrid.wordpress.com/

Descarga el contenido de la convocatoria aquí: Convocatoria El Ranchito.

Contacto: elranchito@mataderomadrid.com.

Fin de… Dfest11: Un festival Bastardo.

15 abr

Una vez más el Matadero Madrid será escenario de un evento cultural rompedor y critico en la capital española. Se intitula DFest o Festival bastardo. Se trata de un festival que incita a la participación directa y pone en práctica la actitud do it yourself y defiende planteamientos y procesos creativos libres e independientes, pues la participación de los artistas es totalmente gratuita y libre, permitiéndose cualquier manifestación artística de todo tipo de disciplinas (música, diseño, arte urbano, editorial, audiovisual, fotografía…).

 Dfest está autofinanciado y gestionado por los miembros de La Colectivo y no cuenta con subvenciones económicas públicas ni privadas. La participación es totalmente libre y gratuita. Ningún participante u organizador será retribuido por su inclusión en el evento. Este fetival cuenta con la colaboración de Central de Diseño/Matadero Madrid, que únicamente cederá su espacio para la difusión de las creaciones de los participantes. Es una buena opción para jóvenes artistas y espectadores ansiosos por novedades.

La programación es riquísima, cuenta con: exposiciones, talleres, conciertos, charlas, mercadillo, intervenciones… Vea más aquí.

Este finde (15-24 de Abril, 2011) en Matadero Madrid, entrada gratuita. ¿Te apuntas?

Dfest se celebrará del 15 al 24 de abril de 2011, en Central de Diseño/DIMAD, MataderoMadrid. Paseo de la Chopera 14. Entrada gratuita. Cómo llegar: metro Legazpi (L3 y L6). Autobuses EMT: 6, 8, 18, 19, 45, 78 y 148.


París X New York

4 abr

El ilustrador francés Vahram Muratyan diseñó una serie de ilustraciones intituladas A tally of two cities, en las que buscó los principales iconos de cada ciudad estableciendo una comparación visual entre ellos. Os dejo con algunas de las ilustraciones:

L'ingénier

Le matin

le réalisateur

l'apéro

le pain

le façades

la balade

la créature

le parking

la pesteMás en su blog Parisvsny.

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