Como manejar y dar lugar a la estructura de un edificio u obra ha sido durante siglos un gran desafío para arquitectos, artistas y diseñadores. En el siglo XX, más precisamente en el movimiento pos-moderno, arquitectos y artistas han empezado a utilizar la estructura, las tuberías, los cables, y toda clase de cosas que antes se solía ocultar, como parte integrante de la estética de una obra o edificio, como una forma rebelde de mostrar toda la parafernalia que es necesaria para la vida humana, ya que sin estas estructuras ninguna construcción podría ser “usable”.
El ejemplo más conocido de la arquitectura pos-moderna de los 80 es el edificio del Museo George Pompidou, en París, proyectado por Renzo Piano y Richard Rogers, una obra emblemática, que expone toda la estructura de cables y tuberías, y que propone una estética novedosa hasta para los días de hoy. Ya en el siglo XXI, el Site specific “Dispositivo Oculto”, obra contemporánea de Melissa Mendes y Breno Notini, expone la estructura y funcionalidad de un local usando la medianera como plano de exhibición.
En la vida cotidiana, hay más cosas que ocultar de lo que imaginamos, ¿un ejemplo? Los cables de distancia. Un enorme problema estético y de organización espacial con lo cual pasamos mucho tiempo intentando solucionar, pero ¿y si no hay manera de hacer con que desaparezcan? Seguiremos el ejemplo de los pos-modernos: ¡mejor asumirlos como parte de la decoración! Echa un vistazo en algunas ideas inspiradoras:
Cable drawing es una propuesta artística-decorativa de la diseñadora inglesa Maisie Maud .
El diseño tecnológico de XBMC de Life Hacker, incluso nos dan la “receta” para hacer un dibujo con los cables y como pintarles.
Una simpática y bucólica intervención con pegatina. Dibujos con el cable de colores. Si no hay tiempo o imaginación para la decoración, recomendamos:
“En 2010, las empresas españolas especializadas en la gestión de residuos de papel y cartón gestionaron, para su posterior reintegración en el sistema como materia prima, 4.637.000 toneladas de residuos de papel y cartón, de las cuales aproximadamente 800.000 toneladas (17,25%) provenían de los sistemas de recogida municipales, fruto del esfuerzo de los ciudadanos. Las otras 3.837.000 toneladas (82,75%) tienen su origen en los sistemas de recogida industriales, gestionados íntegramente por empresas privadas.
Europa tiene un excedente de papel recuperado estimado de 12 millones de toneladas, como consecuencia de las altas tasas de recuperación de los Estados Miembros de la UE, resultantes del éxito y la correcta aplicación de las políticas de gestión de residuos. Sólo entre Francia, España y Portugal, el exceso de papel recuperado es de aproximadamente 2,3 millones de toneladas”. Fuente: Madridiario.
Dentro de este panorama muchos diseñadores han empezado a hacer creaciones utilizando este gran excedente de papel cartón como materia prima de sus obras: sillas, mesas, adornos, todo el tipo de muebles. Algunos pueden dudar de la calidad de este material, pero no podemos olvidar que Ikea hace la mayoría de sus muebles con cartón prensado, muchas veces no lo percibimos porque la pintura esconde el material. Además el cartón puede ser una buena opción para muebles efímeros, mobiliario para eventos y ferias.
Os dejamos con algunos de los mejores ejemplos de esta tendencia.
Creación del studio finés anttipulli: utilizando un molde, se hace la silla con algunos cortes y en encaje de las piezas.
Flexible chair. Diseño japonés con cartón crudo.
Video de la demostrativo de la silla.
Ecochair foldable cardboard furniture.
Crazy Cardboard Chair! hagas tú propia silla de cartón.
YOC – Your Own Chair, diseñada por el danés Johan Carlsson.
Definidos como “algo más que una fotografía y menos que una película”, los gifs animados están muy de moda en las webs y blogs más modernos y, como es previsible, ya están siendo usados en la publicidad, y empiezan tímidamente a contaminar a los artistas contemporáneos. Pero de “nuevos” no tienen mucho, ya que han sido creados a finales de los años 80, y eran caracterizados como meros gifs, usados sobretodo en imágenes bromistas y de poca calidad. La cosa ha cambiado cuando dos neoyorquinos, la fotógrafa Jamie Beck y el diseñador Kevin Burg, han utilizado este tipo de imagen en la fashion week de Nueva York en febrero de 2011 y lo han bautizado de “cinemagraph”, creando un nuevo formato visual, que con ello expresan una poesía delicada a través del congelamiento de alguno de los elementos visuales de la fotografía. Hay siempre un punto central, un enfoque, un objeto a que nos interesa destacar, con el uso del cinemagraph es posible destacar este punto con un movimiento sutil, que crea una sensación de profundidad visual y hace con que literalmente nos metamos dentro de la imagen, por la perspectiva creada.
Como es normal, hay mucha controversia, pues los fotógrafos más anticuados rechazan este tipo de imagen, dicen que no tiene valor como fotografía y que es una artificialidad más, mientras otros lo alaban como una importante forma de expresión visual. Artificialidad sí, para esto está la tecnología, para crear nuevas formas con las que podemos expresarnos, todo es válido: imágenes en movimiento, proyecciones como parte de la arquitectura, vídeos estáticos, realidad aumentada, videoblogs… no hay vuelta a tras, Cinemagraph ya es un fenómeno en internet.
Incluso algunos artistas plásticos ya han empezado a usar este formato, como por ejemplo, el artista mexicano Jamie Martinez, que es autor de estas enigmáticas imágenes en 3D.
El conocido libro de la autora Naomi Klein, titulado La Doctrina del Shockdel año 2007, llegó el pasado 03 de junio a los cines españoles en una versión documental. Ha sido galardonado en el festival de cine Sundance en 2010 y en los festivales de cine de Berlín y de San Sebastián. El documental, dirigido por Michael Winterbottom y Mat Whitecross, invita a una relectura de los impactantes acontecimientos de los últimos años frente al bienestar de la sociedad actual. Nos hace digerir las maniobras diplomáticas observadas a través del lado oscuro y más salvaje del capitalismo, según los intereses de la clase política-imperialista.
Klein hace un paralelismo entre las teorías económicas de Milton Friedman y las teorías conductistas psicológicas, casi animalistas, de Ewan Cameron de mediados del siglo XX, intentando comprender cómo la evolución del supuesto “mundo libre” ha caído en manos del capitalismo salvaje, donde la invasión sin medida de todo el territorio global y el silenciamiento del pueblo mundial sirven como arma del método del shock, donde el pavor es el emblema clave.
The Shock Doctrine
El libro y la película sostienen que las políticas económicas del Premio Nóbel Milton Friedman y de la Escuela de Economía de Chicago han alcanzado importancia en países con modelos de libre mercado no porque fuesen populares, sino a través de impactos en la psicología social con desastres o contingencias provocando que ante la conmoción y confusión se puedan hacer reformar impopulares. Se supone que algunas de estas perturbaciones, como la Guerra de las Malvinas, el 11 de septiembre, el Tsunami de 2004 en Indonesia, o la crisis del huracán Katrina pudieron haber sido aprovechadas con la intención de empujar la aprobación de una serie de reformas. (Wikipedia)
Como sabemos, la situación política y económica en España quizás sea una de las más desequilibradas, donde los 2 grandes bandos de carroñeros esperan sedientos por la oportunidad de hacerse aun más poderosos, aplicando medidas disparatadas frente a las reales necesidades del pueblo. Ya no escuchan la voz de los no-privilegiados y ni siquiera son conscientes de las importantes protestas realizadas últimamente por la plataforma 15M. Así como hacen los poderosos reflejados en el libro de Klein, en España también se aprovechan de los tiempos de crisis (o cualquier otra catástrofe social) para encurtir el miedo y provocar la inestabilidad del pueblo, obviamente con intenciones de manipular la opinión pública. Ya estamos hartos de escuchar los ataques entre ambos grupos políticos, aprovechándose de situaciones de puntual riesgo (como los ataques terroristas de ETA, las catástrofes naturales, las peleas internas de los partidos, o cualquier otro hecho del que se pueda sacar algún beneficio), y no proponiendo nada nuevo para la mejora de la actual situación del pueblo español. Seguramente lo que les interesa es que sigamos dependiendo de la banca, del mercado internacional y de los compromisos impuestos por el FMI, una manera nada sutil de controlar al pueblo que está sensibilizado con estos temas, aprovechándose de la oportunidad para imponer medidas impopulares y encima justificando estas medidas como “demanda de los mercados”. Realmente vergonzoso vivir en un país donde el dinero público sirve para restituir los beneficios y pagar las deudas de la banca, y reforzar un sistema desigual creado y fomentado por los grandes empresarios y por la clase política desquiciada.
¡Alegrémonos, a pesar de que la doctrina del shock forma parte de nuestra vida cotidiana, nos estamos volviendo inmunes!
Protesta del movimiento 15M en las setas de Sevilla
Filmografia relacionada:
Batalla de Chile [three-part documentary film series] compiled by Patricia Guzmán, originally produced 1975–9 (New York: First Run/Icarus Films, 1993).
Chile: Obstinate Memory, a film by Patricio Guzmán; produced by Yves Jeanneau, Éric Michel (New York: First Run/Icarus Films, 1997).
Coal War: Thatcher vs Scargill, director Liam O’Rinn, episode 8093 of the series Turning Points of History, telecast June 16, 2005.
¿Cuántas veces al día se puede escuchar a alguien decir “no tengo tiempo”? No tengo tiempo para ir al gimnasio, no tengo tiempo para hacer un curso de idiomas, no tengo tiempo para ver a mis amigos, no tengo tiempo para tener un novio, o sencillamente no tengo tiempo. ¿Pero porque nadie tiene tiempo? Y no es que la gente esté trabajando locamente, pues muchos están en paro, pero siguen sin tener el tiempo necesario para ciertas cosas. ¿Y cómo lo gastan? Misterio. Puede que muchos estén solamente delante de la tele, sin fuerzas para salir de su rutina, o no les da verdaderamente ganas de espabilar. ¿Pero a qué se debe esta falta de tiempo? ¿Será que es por la tecnología que invadió nuestras vidas? ¿Es la vida urbana e industrializada lo que nos agobia? ¿En el pasado teníamos más tiempo y en consecuencia éramos más felices?
Una buena historia, que nos hace reflexionar sobre el tiempo, es la que nos cuenta Woody Allen en Midnight in Paris, su más reciente película en la que nos regala un cuento mágico y fascinante vivido en la París de varios siglos. Cada personaje hace referencia al pasado, como siendo la “buena época”, la predecesora de la época que uno vive ahora. El protagonista, un joven escritor del siglo XXI adora la París de los 1920; la chica de esta misma década ama la vida del final del siglo XIX, cuando los artistas tenian sueños con la vida del renacimiento. Un viaje temporal donde uno intenta rescatar del pasado alguna que otra “magia”, siempre en busca de “su tiempo”.
Trailer de Midnight in Paris.
“La persistencia de la memoria”. Salvador Dalí, 1931. Oil on canvas, 24 x 33 cm. Colección del “The Museum of Modern Art”, de Nueva York.
“Escoger el propio tiempo es ganar tiempo” ¡Sir Francis Bacon lo dijo! Elije tu tiempo, aquí algunas opciones:
El reloj Pinboard es una creación del diseñador americano Sam Johnson. Se trata de un montaje muy sencillo, en que se usa una base de corcho y unas clavijas para hacerlo. Se puede comprar el paquete con los materiales en la website del diseñador, hay 12 colores disponibles.
El Studio Dreimann, con sede en Hannover, ha creado el reloj de mesa, que es un híbrido entre una lámpara de mesa y un reloj. Facilita la visualización del reloj mientras se está trabajando en la mesa.
Diseñado por Jay jiwoong baek y producido por el nuevo estudio coreano cauca, “eclipsion wall clock” es un reloj inspirado por la idea de un eclipse solar. Compuesto de hierro y aluminio sobre una base de plástico ABS, los punteros del reloj son analógicos y son invisibles, se puede ver las horas solamente a través de los círculos en las puntas de los punteros, así como planetas, que en las horas puntas se “eclipsan”.
Barcelona, Budapest, Dublín, Lisboa, Londres, Madrid, Moscú, París y Viena, son las ciudades que tienen una guía muy especial, se trata de Le cool magazine, una especie de revista online que muestra los principales eventos artísticos y más undergrounds de estas ciudades. Hay dos versiones, una corta al estilo newsletter, con la cual te mantienes informados de conciertos, intervenciones artísticas, paseatas, sugerencias de restaurante y bares cool, exposiciones, etc., y hay la versión libreta, que sería una selección de los principales locales y eventos de estas ciudades en un pequeño libro.
“LE COOL CHANGED MY LIFE. A SERIES OF WEIRD AND WONDERFUL GUIDE BOOKS.”
“Estas guías no son normales. LE COOL trabaja con editores locales, escritores, fotógrafos, ilustradores y diseñadores para crear libros únicos que realmente reflejen la experiencia de cada ciudad”. Así se lo describen. ¿Un ejemplo de esta anormalidad? El festival de arte y nuevas tecnologías Jamm que se realizará en Barcelona, días 29 y 30 de abril, o la presentación, en Dublín, del espectáculo teatral “Blood Wedding”, una moderna adaptación de la obra del español García Lorca “Bodas de Sangre” (muy apropiado para el actual momento “Royal Wedding”). Si estás en una de estas metrópolis, lo recomendamos.
¿Sabías que Copenhague es la ciudad más feliz de Europa? Así lo consideran en una encuesta realizada entre todos los ciudades de la Unión Europea, los ciudadanos de la capital danesa son los que más felicidad dicen poseer. Mucho de esta felicidad se debe a las recurrentes transformaciones que ha pasado esta ciudad desde la década de 60, que han creado una ciudad alto sostenible, limpia y mayoritariamente proyectada para el peatón.
La ciudad de Copenhague debe mucho de su estructura urbana actual al arquitecto urbanista Jan Gehl, danés de 74 años, pues sus proyectos han hecho posible, entre otras cosas, que más del 37% de la población utilice la bicicleta como principal medio de transporte (el objetivo es que supere el 50% en los próximos años). Todos los logros relacionados con la creación y mejoría de la calidad de vida urbana se ha conseguido gracias a una política desarrollada durante más de 40 años para generar infraestructuras que facilitan la movilidad del peatón y las bicicletas en entornos seguros y separados de los coches, a la vez que restringen el acceso de automóviles a la ciudad. “El resultado es que hoy es una ciudad más sana, con mejor calidad de aire, más viva y segura porque a la gente le gusta salir a la calle”, asegura.
El experimento en evolución que representa Copenhague es la referencia que guía su labor como consultor en su firma Gehl Architects, donde ha diseñado planes urbanísticos para ciudades como Nueva York, Melbourne, Guanghzou, São Paulo, Zurich y Londres. Las teorías de Gehl son fácilmente vislumbradas en el cotidiano de la mayoría de las ciudades contemporáneas, pero hacer la implementación de dichos parámetros humanistas es deshacer medio siglo de ideología modernista. “Sufrimos los problemas de contaminación e inseguridad que nos ha traído esta forma de hacer ciudades. Dubai es un buen ejemplo. Es como coger una serie de botellas de perfume y ponerlas en línea. Cada edificio intenta ser más original y distinto que el otro, pero acaba creando un pastiche de elementos que miran hacia el cielo y nunca al suelo ni a la escala humana. La buena arquitectura es la interacción entre la vida y la forma. Dubai se acerca más al arte”.
Aquí os dejo con parte del trabajo desarrollado por el estudio de Gehl:
Deshaciendo Mitos urbanos
Cincuenta años estudiando al hombre en entornos urbanos da para mucho. Jan Gehl estuvo 50 años estudiando el hombre en entornos urbanos, estos estudios han sido copilados en una publicación a finales de 2010 intitulada Cities for People, un libro que desmitifica algunos de los fundamentos que han llevado a dominar la forma de planificar las ciudades actuales alrededor del coche, a la vez que propone soluciones para un nuevo marco de ciudades más compactas y sostenibles.
Mito urbanístico número 1: “La peatonalización y la utilización de la bicicleta es una cuestión cultural. Puede funcionar en los países escandinavos pero nunca en países como EEUU o China”.
“Cuando se empezó a peatonalizar Copenhague en los años 60, hubo muchas voces críticas con el proyecto. ‘Somos daneses, no somos italianos. Será un fracaso total’, dijo más de uno”, explica Gehl.
Contrasta esta situación con el Copenhague actual, donde más del 37% de la población utiliza la bicicleta como principal medio de transporte para ir a trabajar en una red de más de 390 kilómetros de carriles bici. A finales de 2011 abrirá la primera de una serie de ‘autopistas para bicis’ completamente libres de tráfico, diseñadas para conectar las afueras con el centro de la ciudad. Ir en bici en la capital danesa transciende a las clases sociales. “Hay ministros que la utilizan para acudir al parlamento; hombres de negocio van a trabajar en ellas e, incluso, el príncipe la utiliza para llevar a sus hijos a pasear”, explica.
Tras toda esta explanación concluimos que da igual de donde eres, los fundamentos son muy similares. Los humanos somos previsibles. Si creas buenos espacios acudirán en masa. Si el espacio es malo, lo abandonarán.
Mito urbanístico número 2: “Si quitamos los coches del centro, será un desastre para la economía de mi ciudad”.
A lo largo de los años, Gehl junto con las autoridades de Copenhague han logrado disminuir el tráfico en un 30%. En el mismo periodo, las ventas en los comercios del centro subieron un 32%.
Conclusión: Disminuir el tráfico no es solo más sano para los ciudadanos, también puede beneficiar la economía de una ciudad.
Mito urbanístico número 3: “Si hay mucho tráfico, la mejor solución es añadir nuevos carriles y hacer la vida más fácil para el automóvil”.
“En Copenhague tenemos quizá el único responsable de tráfico del mundo cuyo trabajo consiste en complicarle la vida al coche y no al contrario”, explica Gehl. “Cuando amplías carriles lo único que haces es crear más tráfico. En los primeros meses fluye un poco más, pero al cabo del tiempo la situación vuelve a estar como antes. Empezamos a ver casos como el de Seúl, donde el alcalde recuperó un río y lo convirtió en un parque. Antes estaba cubierto por una autopista que atravesaba la ciudad. La solución tradicional hubiera sido compensarlo con otra autopista en otra parte de Seúl. Pero no la han hecho dejando que el tráfico se corrija solo”.
Conclusión Gehl: “Si quieres disminuir el tráfico, la mejor solución es quitar carriles no añadirlos. Todos los estudios realizados al respecto demuestran que añadir carriles es solo un parche que no acaba con la congestión”.
Mito urbanístico número 4: “La mejor forma de planificar ciudades es desde el aire”.
Gehl llama a esta afección ‘El síndrome de Brasilia’. La capital brasileña creada de la nada en los años 50 se proyectó para emular las formas de un águila desde el aire. “Desde un avión es increíble y desde un helicóptero también pero en el suelo, a nivel de la vista, es un auténtico espanto. Las calles están vacías y sin vida”.
Gehl se refiere a lo que considera el mayor error de los urbanistas contemporáneos. “Se reúnen alrededor de maquetas tridimensionales para analizar desde arriba pero no prestan atención a la escala humana. Lo mismo pasa con arquitectos que compiten por mostrar su individualismo con grandes torres que en el suelo son sitios fríos y distantes para los humanos. Algunos de los sitios más acogedores para el ser humano son feos desde un avión. Hablo, por ejemplo, de barrios como Kartoffelrækkerne en Copenhague. Si presentaras estos edificios en clase de arquitectura te echarían de allí pero en la calle es una maravilla. Tiene proporciones perfectas, un clima muy agradable porque entra el sol y el viento pasa por encima. Las casas son de las más caras de la ciudad”.
Conclusión: “Lo importante no es cómo se ve un edificio desde el aire. Es cómo se vive en la escala humana”.
Parte de este artículo fue publicado en el número de febrero de Yorokobu.
¡No todo está hecho a perder! Si con toda la crisis que nos enfrentamos creías que no hay oportunidades decentes para artistas, sepas que hoy ha abierto las inscripciones a una convocatoria destinada a artistas nacionales e internacionales. Matadero Madrid, a través de El Ranchito, pretende facilitar la creación de redes de colaboración y fomentar la producción artística mediante la oferta de residencias para creadores y la disposición de espacios de trabajo. La propuesta está dirigida a artistas y agentes culturales relacionados con cualquier ámbito creativo o artístico y que tengan su residencia o ámbito principal de acción en la ciudad de Madrid.
En la convocatoria nos explican que hay dos modalidades de participación no excluyentes, o sea, un mismo artista puede apuntarse en las dos categorías:
“Residencias: se ofrecen cuatro residencias para creadores no residentes en Madrid (nacionales o internacionales) que hayan sido propuestos por creadores y agentes culturales residentes en la ciudad, con el objetivo de desarrollar un proyecto conjunto o en colaboración. Las residencias pueden durar entre 3 y 6 semanas, y se desarrollarán entre los meses de mayo y diciembre de 2011. El proyecto resultante de la residencia podrá contar con un apoyo económico adicional en su producción y formar parte del programa de actividades de El Ranchito”.
“Espacios de trabajo para artistas: se ofrecen distintos módulos de trabajo para artistas y colectivos de la ciudad que lo requieran para desarrollar un nuevo proyecto durante un periodo máximo de 3 meses. Además de los espacios adjudicados individualmente, se habilitarán zonas de trabajo compartido y zonas comunes y de encuentro”.
Una vez más el Matadero Madrid será escenario de un evento cultural rompedor y critico en la capital española. Se intitula DFest o Festival bastardo. Se trata de un festival que incita a la participación directa y pone en práctica la actitud do it yourself y defiende planteamientos y procesos creativos libres e independientes, pues la participación de los artistas es totalmente gratuita y libre, permitiéndose cualquier manifestación artística de todo tipo de disciplinas (música, diseño, arte urbano, editorial, audiovisual, fotografía…).
Dfest está autofinanciado y gestionado por los miembros de La Colectivo y no cuenta con subvenciones económicas públicas ni privadas. La participación es totalmente libre y gratuita. Ningún participante u organizador será retribuido por su inclusión en el evento. Este fetival cuenta con la colaboración de Central de Diseño/Matadero Madrid, que únicamente cederá su espacio para la difusión de las creaciones de los participantes. Es una buena opción para jóvenes artistas y espectadores ansiosos por novedades.
La programación es riquísima, cuenta con: exposiciones, talleres, conciertos, charlas, mercadillo, intervenciones… Vea más aquí.
Este finde (15-24 de Abril, 2011) en Matadero Madrid, entrada gratuita. ¿Te apuntas?
Dfest se celebrará del 15 al 24 de abril de 2011, en Central de Diseño/DIMAD, MataderoMadrid. Paseo de la Chopera 14. Entrada gratuita. Cómo llegar: metro Legazpi (L3 y L6). Autobuses EMT: 6, 8, 18, 19, 45, 78 y 148.
La silla-perchero de Joey Zeledón es todavía un concepto, pues aún no ha sido comercializada, pero es una interesante propuesta investigativa. Para hacerse una silla-perchero se necesita perchas de plástico que se las pone en un marco de acero tubular para crear un asiento. Es una propuesta innovadora por que aporta un nuevo uso a un objeto para crear otro totalmente único. Esta propuesta fue ganadora de los premios Spark! Silver Award, 2009 y del I.D. Annual Design Review Design Distinction Award, 2010.
